главная :: музеи мира :: русский авангард :: интересные статьи :: библиография :: полезное :: карта сайта
Шедевры мировой живописи 
 
Церковь в ОвереВинсент Ван Гог
Церковь в Овере

Овер, июнь 1890
Холст, масло. 94 х 74 см
Музей Орсэ, Париж
“У меня уже сделано полотно побольше с деревенской церковью, на котором здание выглядит лиловатым на фоне неба - яркого, глубоко-синего чистого кобальта; окна цветного стекла похожи на пятна ультрамарина; крыша лиловая, а местами оранжевая. На переднем плане кусочек цветущей зелени и розовый в солнечном свете песок. Это почти то же, что этюды со старой башней и кладбищем, которые я делал в Нюэнене, за исключением того, что цвет теперь, вероятно, более выразителен, более богат”. Винсент Ван Гог
Печать картин на холстеКонтакты

Художники:

Ван Гог Винсент ВиллемСезанн ПольМоне Клод ОскарДега Эдгар Илэр ЖерменМане ЭдуардТулуз-Лотрек Анри деГоген Эжен Анри ПольРенуар Пьер ОгюстСёра Жорж-Пьер
Главная / Мане Эдуард / Биография

Биография

Важнейшее место во французском искусстве второй половины XIX столетия принадлежит импрессионизму. Именно с этим стилем связаны решительные и принципиальные сдвиги в развитии живописи 1860-1880 гг., без которых невозможно себе представить последующее развитие искусства. В то же время импрессионизм был подготовлен эволюцией мирового искусства, и, прежде всего, новаторскими исканиями мастеров предшествующего поколения - Делакруа, Курбе, Домье, Добиньи, Коро. Но особенно важную роль в формировании этого течения сыграло творчество Эдуарда Мане. Именно ему было суждено преобразовать вкусы и приемы, казавшиеся незыблемыми, и проложить тот путь, по которому за ним смело последовали другие.

Эдуард Мане оказался в самом центре французской живописи второй половины XIX века. Он был ее стержнем и движущей силой. "До Мане", "после Мане" - эти выражения полны глубочайшего смысла, потому что его именем заканчивается один период в истории французского искусства и начинается другой.

Эдуард Мане родился 23 января 1832 г. в Париже. Его отец - Огюст Мане был шефом отделения в Министерстве юстиции. В 1839 г. Эдуарда отдали в пансион аббата Пуалу в Вожираре, а в 1844-1848 гг. он учился в "коллеже Роллэн". После окончания колледжа он пытался поступить в мореходную школу, но, видимо, не очень усердствовал: экзамены были провалены. Несмотря на это, ему было разрешено отправиться в учебно-подготовительное плавание на паруснике "Гавр и Гваделупа" в качестве юнги. 9 декабря 1848 г. корабль покинул Гаврский порт, чтобы пересечь Атлантический океан и 4 февраля следующего года бросить якорь на рейде Рио-де-Жанейро. Это путешествие имело для Мане большое значение, во время длинного плавания он занимался творчеством: фиксировал свои впечатления, рисовал силуэты, лица матросов и товарищей.

В 1850 г. юноша стал учеником модного парижского живописца Тома Кутюра (1815-1879), но академический стиль учителя не привлек его, и через шесть лет он ушёл из мастерской.

Эдуард Мане, ок. 1910

В целом Мане посвятил учебе около десяти лет, в течение которых копировал работы великих мастеров в Лувре, путешествовал по Италии, Голландии, Германии, Австрии, где изучал шедевры великих живописцев Возрождения XVII и XVIII вв.

В ранних произведениях художник верен программе "жить своим временем и изображать то, что видишь перед собой", однако он был склонен также выбирать для своих работ темы, несущие в себе черты "романтической необычности". В начале 1860-х гг. Мане неоднократно писал портреты артистов испанского балета, гастролировавших в Париже. Своих моделей нередко одевал в испанские наряды - "Гитареро" (1860), "Викторина Меран в костюме эспада" (1862). Во всех этих работах есть оттенок известной театральности и игры. Так, прима-балерина испанской труппы изображена за кулисами перед выходом на сцену - "Лола из Валенсии" (1862), а в картине "Испанский балет" танцоры запечатлены в момент выступления (1862).

Сегодня ученые-искусствоведы могут назвать картину и даже дату ее создания, с которых Мане практически инстинктивно вступил на путь кардинального обновления основ живописного искусства через приобщение его к проблемам времени. Это работа "Музыка в Тюильри", написанная около 1862 г. В ней Мане попытался сделать невозможное: "написать" музыку кистью, выразив ее в свободной ритмике красок и фактуры, в причудливом, обладающем суггестивным действием мерцании цвета и света. Учитывая то, что в картине не изображены музыканты, музыку он пытался "запечатлеть", передав настроение слушателей, собравшихся на концерт под деревьями парка. Организуя композицию своей работы как систему колышущихся пятен, то расплывающихся, то резко обозначающихся цветовых силуэтов, Мане отказался от графичности и светотеневой моделировки формы, прибегая к свободной, создающей эффект быстроты исполнения, манеры alla prima.

Однако, несомненно, эту тенденцию Мане довел уже до наивысшей точки, минуя которую, прежняя форма уже непременно должна была трансформироваться до неузнаваемости, утратить свою визуальную стабильность и из оживленной превратиться в возникающую и исчезающую, умирающую и рождающуюся.

В произведении "Музыка в Тюильри" Мане разрушил замкнутую, самодовлеющую "законченность" живописи и ее "бытийность" для того, чтобы передать течение самой жизни. Он, как и последовавшие по его стопам импрессионисты, в самых первых своих работах ставил перед собой задачу "остановить на холсте состояние действительности, позу модели в одну конкретную минуту. Он писал не "мгновение", а процесс перевоплощения одного мгновения в другое. Изображение самого текущего времени было подлинной целью творческих исканий художника.

Живописное решение картины, в которой ощущение взаимосвязи фигур и световоздушной среды достигнуто тонкими градациями цвета и обобщением формы, было столь непривычным, что на выставке она вызвала скандал. Публика угрожала ей тростями и зонтиками, а один из влиятельных критиков назвал картину "пестрой мешаниной красок".

В фигурных композициях полотен Мане раскрываются основные ценности его искусства. Современный человек - центральный герой всего творчества художника. Отсюда - избранный им жанр многофигурной композиции большого масштаба, в которой человека можно было представить в полный рост, а его появление сделать торжественным или романтичным. Это можно отметить в таких картинах, как: "Завтрак на траве" и "Олимпия" (обе - 1863).

Замысел "Завтрака на траве" был навеян произведением художника Джорджоне "Сельский концерт" (около 1508), от которого полотно Мане отличает подчеркнуто индивидуальный, портретный характер образов. Нет в нем поэтической отрешенности ренессансной картины, ибо двое из участников пикника в композиции Мане обращены именно к зрителю. Изобразив же обнаженную натурщицу в обществе одетых мужчин, художник вообще пренебрег светскими условностями.

Если откровенная полемичность привнесла в картину "Завтрак на траве" нарочитость и искусственность, то написанная в том же году "Олимпия" (1863) - произведение редкого художественного совершенства. Образ Олимпии связан с Венерами Джорджоне, Тициана, Веласкеса, а также более близкой не только по времени, но и по живописному мироощущению "Махой" Гойи. Но при таком количестве аналогий картина Мане очень оригинальна. В качестве модели художник пригласил Викторину Меран, позировавшую ему и для "Завтрака на траве". Она изображена полулежащей на постели и чуть свысока, пристально и в то же время задумчиво смотрит на зрителя. Негритянка и черная кошка, сидящие около ног молодой женщины, вносят в атмосферу картины оттенок некоторой необычности и в то же время становятся ее необходимыми композиционными и цветовыми элементами. В четком контуре изящной женской фигуры читается некоторая угловатость, при помощи которой великолепно передан характер модели, отвергающий всякие сопоставления с традиционным идеалом женской красоты. В этом произведении художник создал образ не богини или нимфы, а реальной женщины с неповторимым очарованием. При этом композиционным и живописным строением произведения, а также его размерами художник утверждает поэтическую значительность образа. Обнаженное тело, легко моделированное тончайшими градациями желтоватых оттенков, включено в гармонию изысканных тонов - серебристых простыней, золотистой шали, розового платья негритянки. Сияние светлых тонов подчеркнуто цветовыми контрастами, звучащими в букете и узоре шали, а также достаточно смелым введением оттенков черного цвета. Сверкающую наготу Олимпии художник подчеркнул цветом розоватого банта в волосах, черной бархоткой на шее и золотым браслетом на изящной руке.

Манера письма Мане кажется очень плоской.

Мастер отказался от традиционной многословности и тщательности нанесения мазков. Краска кое-где выходит за границы изображённых предметов, так, например, букет практически распадается на отдельные цветовые пятна.

Надо ли говорить, что эта картина произвела еще больший скандал, нежели предыдущая работа мастера? Возмущало даже название полотна, ведь художник не последовал традиции оправдывать наготу своей модели, дав ей мифологическое имя - например, "Венера" или "Даная". Кроме того, во времена Мане имя "Олимпия" было нарицательным, так обычно называли куртизанок. Полотно, выставленное в Салоне, вызвало ажиотаж и подверглось агрессии со стороны толпы, взбудораженной обрушившейся из газет критикой. Испуганная администрация выставки поставила у картины двух охранников, но и этого оказалось недостаточно. Толпа, хохоча, завывая и угрожая тростями и зонтами, не пугалась военного караула. Несколько раз солдатам приходилось обнажать оружие. Картина собирала сотни людей, пришедших на выставку лишь для того, чтобы обругать и плюнуть на неё. В итоге, полотно перевесили в самый дальний зал Салона так высоко, что ее почти не было видно...

В произведениях Мане, выполненных во второй половине 1860-х гг., появились новые тенденции. Если в ранних работах художник был склонен несколько романтизировать действительность, то теперь он открывал подлинную красоту повседневного течения жизни. При этом в большинстве его работ отсутствуют внешнее действие и минимальная сюжетная завязка. У многих картин этого периода трудно даже определить жанр. Это связанно с тем, что художник в одном произведении нередко объединял изображение быта и пейзажа - например, в таких работах, как: "Завтрак в мастерской" (1868), "Балкон" (ок. 1868-1869). Казалось бы, ничем не примечательные обыденные мотивы получают своеобразное новое истолкование, одухотворенное видением художника.

На протяжении 1860-х гг. творчество Мане не только приобрело достаточно широкую известность, но и стало образцом для некоторых молодых художников. В 1866 г. художник стал главой группы объединившихся молодых художников - "Батиньольская школа", составившей вскоре ядро импрессионистического движения. В ее состав входили Дега, Ренуар, Моне, Базиль, Моризо и некоторые писатели.

С 1870 по 1880 гг. Эдуард Мане являлся ведущим живописцем своего времени. Несмотря на то, что импрессионисты всегда считали его своим идейным вдохновителем, да и сам художник никогда от этого не отказывался, его творчество гораздо шире и не укладывается в рамки какого-то одного направления, а искусство по своей сути близко к искусству японских мастеров, что выражается в некотором упрощении мотивов и создании своего собственного мира, в котором существует гармония реального и декоративного.

Летом 1870 г. Мане создал свою первую картину на свежем воздухе - "Сад". Работая на пленэре, художник стремился передать окружающий мир в его динамическом единстве, изменчивых состояниях, красочном разнообразии. Этим новым поискам уже не соответствовал живописный стиль ранних произведений художника, в частности, приемы гармонизации плоских цветовых пятен. Изменилась и техника художника, она стала подвижной, мазки приобрели разнообразную форму. В живописи появилась вибрация света и воздуха, мягко обволакивающего предметы и объединяющего их в целостную картину мира, живую и трепетную. Задачи, которые Мане ставил во многих работах этого времени, наиболее последовательно решены в пейзаже, роль которого возросла в произведениях 1870-х гг.

К числу наиболее характерных импрессионистических полотен художника относятся картины, написанные в 1874 г. в Аржантее: "Клод Моне в лодке", "Аржантей", "В лодке". Прелесть этих произведений обусловлена не столько значимостью изображенного события, сколько динамичностью и остроумной наблюдательностью автора. Особенно совершенна работа "В лодке". В ней сочетание абриса кормы парусника, сдержанной энергии движений рулевого, мечтательной грации сидящей дамы, прозрачность воздуха, ощущение свежести ветерка и скользящего движения лодки создает особенную картину, полную радости и свежести. Господствующие в картине холодные тона существуют в гармонии с теплыми коричневатыми, золотистыми и белыми цветами. Мане осуществил своеобразный синтез цвета, во многом развивающий его раннее живописное видение, обогащенное опытом пленэра. И вместе с тем чисто импрессионистическим остается ощущение движения, мимолетности и абсолютного единства фигур со средой.

Нужно отметить, что картина "В лодке" - одно из высших достижений импрессионизма Мане. Такие работы, как "Большой канал в Венеции" (1874), "Мостильщики, улица Монье" (1878), "Подавальщица пива" (1878) обнаруживают своеобразие импрессионизма Мане и его поиски в этом направлении. Художник в своих работах этого периода редко повышает звучание цвета до предельной степени интенсивности. Он не отказывается от четких, порой довольно резких контуров, от использования контрастов и сопоставлений светлых и темных пятен, которые составляют основу конструктивного решения многих его холстов. Во многих своих последующих работах мастер отчасти продолжает развивать свой ранний стиль, работы отличаются более строгим рисунком, сдержанным колоритом, в котором значительную роль играют темные и даже черные тона, а главное - они основаны на более пристальном, глубоком и длительном изучении жизни и обобщенном ее выражении.

К числу таких произведений можно отнести многие портреты художника. Блестящее мастерство Мане-портретиста раскрывается в полотнах "Автопортрет" (1879), написанном необыкновенно мягко и легко, интимном и проникновенно выразительном "Портрете Малларме" (1876), экспрессивном, напоминающем по манере ранние работы "Портрете Клемансо" (1879), а также в исполненном волевого напряжения "Портрете Рошфора" (1881).

Если в мужских портретах Мане всегда очень ярко выражает индивидуальный характер, то женские неизменно объединяет нечто общее - прежде всего, особое утонченное обаяние, которое он подчеркивает изысканной интеллектуальностью и нервной грацией своих героинь.

Особую нишу в творчестве живописца занимают натюрморты, к написанию которых он обращался на разных этапах своего творческого пути. В скромно сервированном завтраке, пучке спаржи, нескольких фруктах (один из лучших натюрмортов Мане изображает лишь один лимон) и особенно в цветах художник раскрывает поистине драгоценное колористическое богатство, тончайшие оттенки цвета. Так, на раннем натюрморте "Пионы" (1864-1865) изображены распускающиеся красные и бело-розовые бутоны, а также уже расцветшие и начинающие увядать цветы, роняющие лепестки на скатерть. Более поздние работы отличаются непринужденной эскизностью. В них художник стремился передать сияние цветов, окутанных атмосферой, пронизанной светом - "Розы в хрустальном бокале" (1882-1883).

Трудно определить однозначно жанр последней большой картины художника - "Бар в Фоли-Бержер" (1881-1882). В ней своеобразно совмещены изображение быта, портрет, натюрморт, приобретающий совершенно исключительное, хотя и не первостепенное значение. Все это объединено в сцену современной жизни с предельно прозаической сюжетной мотивировкой (что может быть банальнее продавщицы за стойкой бара?), претворенной художником в образ изысканного совершенства. "Бар в Фоли-Бержер" подводит итог творческим исканиям Мане. В данном случае сравнение с ранними его шедеврами, прежде всего - с "Олимпией", дает представление о том пути, который художник прошел за 18 лет, разделяющих эти произведения. "Бар в Фоли - Бержер" воплощает неизмеримо более непосредственное ощущение жизни, полнокровной, динамичной, сложной, бесконечно привлекательной и драматичной. В то же время эту картину неслучайно называют самым фантасмагорическим произведением, когда-либо написанным художником. Ибо в ней реальный ряд жизненных наблюдений преображается в живописно-пластический образ, рождающий самые причудливые ассоциации. Пространство бара, отраженное в зеркале за спиной продавщицы, расширяется до бесконечности, превращаясь в искрящуюся мириадами огней и цветовых бликов поэтическую среду, в которой предметы и фигуры обретают новую жизнь. Зритель, стоящий пред картиной, властно вовлекается в эту среду, завороженный ее красочным великолепием, постепенно теряя ощущение грани между реальным и отраженным миром.

Но эти миры различны, и только их совмещение создает целостный и сложный образ действительности. Продавщица, обращенная к посетителю, отраженному в зеркале, стоит за рядом бутылок и графинов. Кажется, что стойка бара одновременно приковывает ее к вульгарному миру обыденности и одновременно ограждает от него, ибо кисть Мане преображает самые банальные предметы в изысканные красочные созвучия. Да и сама девушка - воплощение женственности и грации кажется сказочной феей, отчужденной от своего окружения, что подчеркивается мечтательным и грустным выражением нежного лица. А ее фигура, отраженная в зеркале, склоняется с заученной грацией к подошедшему посетителю.

Так, в одной картине смело, раздвигая не только пространственные, но и временные границы, Мане раскрыл сложные аспекты образа. При этом поэтический замысел художника воплотил реальное изображение, а отражение связывает его с прозаическими заботами повседневности. Однако вульгарная повседневность преображена художником в зыбкий и радужный мир мечты.

Совершенство полотна "Бар в Фоли-Бержер", выставленного в Салоне в 1882 г., было настолько очевидно, что его уже никто не пытался оспаривать. После закрытия Салона Мане был объявлен кавалером ордена Почетного легиона...

30 апреля 1883 года Эдуард Мане скончался. В последние годы жизни он работал в основном пастелью и акварелью. При жизни его называли "якобинцем" живописи, попирающим традиции и хороший вкус. Журналисты, карикатуристы и консервативная буржуазия непрестанно высмеивали произведения художника. Начиная с 1860 г., Мане ежегодно отправлял свои работы на выставки в Салон, хотя обычно жюри принимало лишь половину присланных им картин. Несмотря на неудачи в творчестве, Мане был уверен, что победу необходимо одержать именно в Салоне, важно добиться, чтобы на сторону большого искусства встали широкие слои парижской публики, а не лишь узкий круг избранных людей.

До самой смерти мастер верил, что успех к его искусству непременно придет, а произведения, преследующие цель "увековечить жизнь такой, какая она есть", обязательно станут понятными каждому.

Печать картин на холсте. Контакты
Шедевры мировой живописи. © 2009
Яндекс цитирования Rambler's Top100